Arte, virtualidad y educación: una experiencia desde las artes visuales

Raúl Alejandro Martínez
Líder nacional de programa Artes visuales,
Universidad Nacional Abierta y a Distancia UNAD

Implementación de herramientas tecnológicas en el estudio del solfeo

Dayra Yurley González Rodríguez
Universidad Autónoma de Bucaramanga – UNAB

Durante el modelo educativo de presencialidad remota que se implementó en la Universidad Autónoma de Bucaramanga debido a la pandemia Covid-19 en los años 2020 y 2021, se utilizaron algunas herramientas tecnológicas que sirvieron de apoyo para continuar con los procesos de enseñanza-aprendizaje dentro de los cursos de Desarrollo Auditivo, Teoría y Solfeo. Esta intervención tiene como objetivo socializar la experiencia vivida dentro del aula de clase, en la cual, a través de estrategias metodológicas, materiales didácticos adaptados al modelo de presencialidad remota y la mediación de recursos tecnológicos, se continuaron los procesos educativos en el estudio de la Teoría y el Solfeo.

Las herramientas utilizadas comprendieron desde tableros digitales, pianos virtuales, gamificación, diseño de infografías, creación de micro-sitio web, gestores de contenido, hasta la utilización de softwares de edición de partituras, audio y video para la creación de video tutoriales. Todas estas herramientas fueron empleadas para proporcionar a los estudiantes materiales para mejorar su práctica,  facilitándoles el acceso a la información y así, optimizar sus tiempos de estudio y mejorar su rendimiento académico.

Los estudiantes se beneficiaron de tener a su disposición los contenidos y las actividades del curso centralizados en un solo lugar, el aula virtual. Dichas aulas virtuales generadas para cada curso en particular fueron desarrolladas con un enfoque logocéntrico, a través de la utilización de unidades de contenido y la aplicación de tareas digitales, talleres y ejercicios que permitieron hacer un seguimiento al cumplimiento de los resultados de aprendizaje esperados dentro de cada nivel. La retroalimentación realizada por los estudiantes durante los períodos en los que se implementaron dichas herramientas fue satisfactoria, siendo evidente durante las sesiones de clase la buena disposición, participación y rendimiento de los alumnos.

Es importante mencionar que gracias a que estas herramientas se encuentran disponibles, se siguen utilizando como complemento al desarrollo de las actividades dentro del aula de clase en las clases presenciales que se desarrollan actualmente. Por tanto, además de haber sido útiles para los procesos de enseñanza-aprendizaje durante la pandemia, también se han convertido en aliados estratégicos para los cursos que se imparten en la presencialidad.

Finalmente, a través de la utilización de herramientas tecnológicas dentro del estudio de la Teoría musical y el Solfeo se pueden desarrollar en los estudiantes habilidades comunicativas y aprendizajes particulares que les permitan adquirir competencias en el manejo de recursos digitales aplicados a la práctica artística.

Crónicas y Trayectos, Investigación + Creación o el caso del investigador investigado. Propuesta de modelo para la aplicación de herramientas de investigación + creación, dirigido a estudiantes de disciplinas creativas.

John Mario Montoya Ramírez
Escuela Superior Tecnológica de Artes Débora Arango

El concepto de investigación + creación se ha posicionado durante las últimas décadas en el escenario de la educación artística de nivel superior. Este es un tipo de modelo de investigación busca diferenciarse de los enfoques cualitativo y cuantitativo y más que una metodología establecida y estructurada, se comporta como un escenario metodológico en el que se pretende un equilibrio entre producción artística y escrita de manera que ninguna de las dos partes se comporte como un simple apoyo o ilustración de la otra. En la investigación + creación la intención es que obra y documento se entretejan como trama y urdimbre de un mismo tejido y como nueva forma de producción de significado y conocimiento. Este campo metodológico es un intento por posicionar la producción artística al mismo nivel de la comunidad académica y científica en su aspiración de generar nuevo conocimiento. En ella las artes plásticas y el diseño han concentrado sus esfuerzos creando teorías y herramientas que facilitan su aplicación. El presente documento pretende plantear una lógica de uso de algunas herramientas comunes en el escenario de la investigación creación, para que se comporten como modelo, que pueda ser aplicado por estudiantes de las diferentes disciplinas creativas y con esto facilitar la lógica entre su propuesta creativa y discursiva.

En el escenario de la pandemia surgió la necesidad de implementar estrategias metodológicas y didácticas para que estudiantes de prácticas artísticas usaran el contexto como punto de partida para proyectos creativos. Este escenario me permitió ensayar diferentes propuestas de aplicación de diferentes herramientas propias del enfoque de la investigación + creación: mapeos, relatos emotivos, atlas, tableros de inspiración, lluvia de ideas y otras aplicaciones didácticas me permitieron construir y aplicar un modelo de aplicación de herramientas que posibilita al estudiante en prácticas artísticas, la solución al proceso más complejo de la investigación + creación: la elaboración de discurso y la coherencia de este con respecto a los modelos tradicionales basados en el marco lógico.

Christopher Frayling publicó en 1993 un artículo bajo el título “Investigación en arte y diseño” en el plantea los tipos de enfoque que puede tener una investigación relacionada con el campo de las artes, la relación que esta puede tener con las metodologías cuantitativa y cualitativa y la necesidad de establecer metodologías propias para el campo específico de la creación. Frayling introdujo una distinción entre tipos de investigación en las artes a los que muchos se han referido desde entonces. Henk Borgdorff, en el texto El debate sobre la investigación en las artes, interpretando a Frayling, diferencia entre tres enfoques de investigación artística, y establece tres variantes que obedecen a diferentes necesidades y que permiten establecer, en dos de ellas, conexiones con las metodologías tradicionales, pero también evidencia la total desconexión que la tercera tiene con las mismas, y la necesidad de construir metodologías propias para ella. Las tres variables son: “investigación sobre las artes”, “investigación para las artes” e “investigación en las artes”. Borgdorff (2006) expone que una “investigación sobre las artes” se refiere a la posibilidad de realizar investigaciones que tengan como objeto de estudio la práctica artística en su sentido más amplio. Aquí el investigador debe tomar distancia del objeto de estudio y tratarlo como un fenómeno que permanece intacto bajo su observación, además las conclusiones que se obtienen pueden ser consideradas como válidas. La investigación de este tipo es la que se aplica en disciplinas académicas como la historia del arte, los estudios en torno al teatro, incluso la musicología y se emplean metodologías desde las ciencias sociales como la etnografía, la monografía o los estudios de caso. En cuanto a la “investigación para las artes” Borgdorff (2006) propone que “puede describirse como la investigación aplicada, en sentido estricto. En este tipo de investigación artística, el arte no es tanto el objeto de investigación, sino su objetivo” es la investigación que está al servicio del arte y que de alguna forma puede aportar elementos utilitarios al arte y esto necesariamente constituye alianzas con disciplinas diversas, como las que pueden establecerse con la ingeniería, en el estudio de materiales para la escultura, o entre la química y la pintura en relación con medios, aglutinantes o pigmentos; en la música la sistematización de sonidos para crear bancos de datos que sirven a la música creada digitalmente o la investigación en torno a los efectos psicológicos del color de la luz en las prácticas escénicas. En todos los casos, son estudios al servicio de la práctica y las metodologías aplicadas se ajustan más a la tradicional división de cualitativo y cuantitativo entendiendo que esas otras disciplinas, en las que se apoya este tipo de investigación, diferentes al arte, son más cercanas a este tipo de metodologías. Finalmente Borgdorff propone una última alternativa, “investigación en las artes” aquí se refiere a la investigación que no asume la separación de sujeto y objeto, y no contempla ninguna distancia entre el investigador y la práctica artística, ya que ésta es en sí un componente esencial, tanto del proceso de investigación, como de los resultados de la investigación” Borgdorff la designa como investigación-de-orientación-práctica en las artes (2006). En los últimos años este tipo de investigación se ha denominado como Investigación Basada en Artes y se simplifica en sus siglas (IBA). Esta es la más controvertida de esta terna, ya que implica otorgar carácter de resultado investigativo a la creación artística y obedece a unas estructuras diferentes a las del marco lógico.

Desde finales del siglo pasado surge una especie de movimiento gremial que desde el diseño y las artes plásticas permitieron el surgimiento de diferentes propuestas metodológicas que pretenden establecer las condiciones necesarias para que la IBA sea reconocida como una metodología tan clara como la cualitativa o la cuantitativa. Una de las iniciativas más sobresalientes de este tipo de modelos surge en la Universidad de Vancouver en Canadá. La profesora de educación artística y estudios curriculares Rita Irwin, distinguida académica universitaria; ex decana adjunta de formación docente y directora del Departamento de estudios curriculares de esta universidad, propone el concepto de A/R/Tography en español Artografía, este modelo de IBA se propone como un lugar donde lo teórico, la práctica y producción artística comparten una frontera, según Irwin (2006) una especie de mestizaje. Según Sandra Silva Cañaveral, Doctora en Diseño y Creación de la Universidad de Caldas, la Artografía plantea indagar en el mundo a través de un continuo proceso de hacer arte, desde la materialización y la reflexión escrita de manera que estén interconectadas entretejidas la una con la otra para crear significados nuevos.

Finalmente surge el concepto de investigación + creación, una convención que ha encontrado eco no solo en los círculos académicos del arte, además, en los entes validadores de la producción investigativa. En nuestro país el Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación (Minciencias) propone, en la convocatoria 781 de 2017, la Investigación + creación como la tipología a partir de la cual, la creación artística, puede generar nuevo conocimiento, desarrollo tecnológico e innovación transferible al sector social, cultural y productivo (especialmente al de las industrias creativas y culturales) además establece las condiciones en que este tipo de investigación debe ser evaluado y pone como condición la evidencia del aporte que los resultados, tanto creativos como investigativos, generen al estado del arte.

En general podríamos decir que todas las propuestas metodológicas que surgen en ese escenario de puja en el que las disciplinas artísticas pretenden establecer sistemas de validación para la creación como resultado de la investigación, buscan establecer un tipo de modelo que tenga en cuenta el valor de las actuaciones, experiencias y representaciones simbólicas que los seres humanos producen a través del arte.

En este escenario de advenimiento donde todo es novedoso, experimental y tentativo, las aulas de clase se convierten en el escenario propicio para probar herramientas y modelos. En mi condición de docente universitario y mi vinculación con asignaturas que forman, tanto en investigación como en creación, ese escenario de enseñanza y aprendizaje me ha permitido probar un modelo de aplicación en el que diferentes herramientas, comúnmente usadas en las disciplinas creativas como instrumentos metodológicos, se ordenan en una lógica de aplicación. Este modelo permite al estudiante, de disciplinas creativas como las artes visuales, establecer propuestas de investigación creación con un enfoque que aunque puede construirse desde las lógicas del marco lógico, no busca respuestas a una pregunta, que no surge de un problema claro, no tiene un fin u objetivo único en el que no se le aplica una metodología rígida y en el que las hipótesis no se comportan como especulaciones sino como caminos posibles de recorrer.

Un modelo para la investigación creación que surge del escenario de la pandemia pero que puede ser aplicado a la presencialidad El modelo que presento se divide en cuatro etapas y busca hacer una comparación entre ciertas herramientas usadas en los procesos de creación y la estructura tradicional de presentación de proyectos de investigación.

SIAS- Sistema de información sobre el arte sonoro en Colombia

Jorge Mario Díaz Matajira

Coordinador Maestría en Arte Sonoro
Facultad de Artes – Universidad Antonio Nariño
Bogotá, Colombia

SIAS sistema de información sobre el arte sonoro en Colombia, constituye la segunda etapa del proyecto de investigación El Arte Sonoro en Colombia, estado del Arte de la Universidad Antonio Nariño (UAN) en Bogotá, Colombia. Esta nueva fase se enfocó en diseñar, desarrollar e implementar un prototipo de sistema de información sobre el arte sonoro en Colombia, con el fin de crear una herramienta didáctica para la gestión de conocimiento en el campo de estudio, bajo las lógicas de la actual cultura audiovisual.

Su diseño está dividido en siete secciones en las cuales se brinda conocimiento sobre registros de sonidos, paisajes sonoros, obras, producciones, documentos, etc., con detalles específicos que contextualizan la información y brinda una perspectiva básica de estadísticas. Asimismo, permite la interacción con los usuarios para expandir los datos y desarrollar procesos formativos específicos sobre la escucha y lo sonoro.

El proyecto se planteó desde un enfoque mixto, con una orientación epistemológica desde el pragmatismo y bajo un fuerte componente interdisciplinar, vinculando saberes artísticos, científicos y tecnológicos. Actualmente se aplica como herramienta para los procesos de enseñanza-aprendizaje de los estudiantes de la Facultad de Artes de la Universidad Antonio Nariño.

Infancias, teatro aplicado y COVID-19: La escena más allá de la pantalla

Eliana Paola Varela y Diana Patricia Huertas
Profesoras de Licenciatura en Artes escénicas
Universidad Pedagógica Nacional

La práctica pedagógica de profesores en formación de la Licenciatura de Artes Escénicas de la Universidad Pedagógica Nacional tuvo que llevar el teatro presencial a la modalidad virtual para niños menores de ocho años en tiempos de Covid-19. Esto implicó retomar las ideas del “convivio” (Dubatti, J. 2015)., el teatro aplicado y las relaciones del teatro con lo educativo. Mediante la sistematización de experiencias, se recupera la vivencia de cinco educadoras en formación. Los principales resultados aparecen en cuatro categorías: a) cuerpos a través de las pantallas; b) Espacio ficcional: la magia del teatro en las pantallas; c) Imitación y teatro gestual como contenidos centrales de lo teatral y d) Teatro como experiencia en las clases virtuales. Esta investigación confirma la importancia de la formación teatral en las infancias como aporte al crecimiento y desarrollo humanos, pero especialmente como un espacio- tiempo para que los niños puedan ser “niños” a pesar de la pandemia.

Palabras Clave: Teatro aplicado, Covid-19, Infancias, educación inicial, mediaciones tecnológicas, educación en pandemia.

Formación de docentes en artes, transitando entre la distancia tradicional y virtualidad.

Laura Carolina Hurtado Rodriguez
Corporación Universitaria Minuto de Dios

El Programa de Licenciatura en Educación Artística con modalidad a distancia inicia su oferta académica en el mes de agosto del año 2016, su propuesta curricular en la actualidad cuenta con un total de 144 créditos, que se desarrolla en 10 periodos académicos, bajo la modalidad distancia tradicional con apoyo en la virtualidad desde encuentros sincrónicos virtuales como escenarios de diálogo, reflexión y práctica de las artes mediados por aulas virtuales y encuentros tutoriales los sábados con el objetivo de reforzar los conocimientos y competencias de los futuros licenciados desde aspectos artísticos y didácticos que se evidencian en resultados de aprendizaje dentro de los Microcurrículos y actividades transversales propias del programa. Es importante resaltar que el perfil del estudiante que llega a la Licenciatura, son mujeres y hombres de diversas edades, que en su mayoría buscan este espacio como escenario de profesionalización de sus saberes y experiencias, así como estudiantes que vienen de varias regiones aledañas a la ciudad de Bogotá con un interés de profundizar sus conocimientos para fortalecer los procesos artísticos y culturales de sus comunidades.

A lo largo de los últimos 6 años el programa ha tenido varios interrogantes no solo desde el establecer la manera cómo el arte se vincula con la educación en tanto área fundamental y obligatoria en la enseñanza, sino también desde esos encuentros, desencuentros y oportunidades de la enseñanza de las artes desde la virtualidad. Dos de estos interrogantes que han permeado los procesos son: ¿Cómo desde la educación artística se pueden crear espacios virtuales para generar escenarios de interacción con las prácticas artísticas y pedagógicas? ¿Cómo encontrar o construir escenarios virtuales que permitan la formación de futuros investigadores en las artes y la educación?

En la búsqueda de poder encontrar respuestas a los interrogantes y entender las fortalezas, debilidades y retos que se nos estaban presentando en la enseñanza de las artes desde escenarios a distancia y virtuales, surgen propuestas e iniciativas que han permitido entender y transformar las diferentes prácticas artísticas, estéticas, pedagógicas y didácticas tradicionales en la enseñanza de las artes a futuros docentes.

Una de las primeras acciones fue entender y adaptar el aula virtual que está soportada desde la plataforma Moodle, quien ya viene con unos estándares técnicos no tan flexibles a las necesidades propias del programa, a lo cual los profesores proponen incluir herramientas digitales más acordes a las necesidades disciplinares, como el simulador Earmaster para música, Teatrix para teatro, Museos virtuales y plataformas para exposiciones artísticas entre otras cosas más que han permitido acercar a los estudiantes desde la práctica y la teoría de las artes. En este orden de ideas conjuntamente nace otra posibilidad de complemento a los procesos de fortalecimiento artístico que son los laboratorios artísticos, este es un espacio transversal que se caracteriza por tener acciones formativas que armonizan la práctica artística de los estudiantes; tomando en cuenta elementos disciplinares que dialogan con los saberes de cada uno de los estudiantes de acuerdo a su experiencia y experticia con la que ingresan al programa, con el ajuste de una intensidad horaria y con la implementación de una estrategia didáctica que tiene como finalidad el desarrollo de actividades, momentos entre otros relacionados con el hacer artístico, que conlleva a la cualificación de las competencias creativas, técnicas expresivas y reflexivas; igualmente a la socialización y materialización de una muestra artística como parte del proceso formativo que vienen construyendo los futuros Licenciados.

Esto abre otro escenario que son las Muestras artísticas LEDA, un espacio resultado de la metodología mediado desde lo híbrido entre procesos desde la presencialidad y la virtualidad que se viene desarrollando desde el año 2018, al inicio el fuerte estaba en la presencialidad como un escenario único pero desde finales del 2019 la Licenciatura en la búsqueda de fortalecer y articular su modalidad de oferta, se cuestiona el formato de estas por lo cual propone ampliar sus espacios de circulación desde una perspectiva de lo virtual, generando espacios como páginas web temporales que refuercen lo que sucede en las muestras, teniendo no solo un espacio de mostrar por mostrar sino de reflexionar en torno a lo que se está mostrando. Acorde a esto, en marzo del 2020 como bien ya se sabe se da la Pandemia por el Covid -19, cosa que obliga si o si a cambiar el formato específicamente a lo virtual, esto se ve con una oportunidad más no como una obligación, debido a como se menciona anteriormente se logra tener una mayor articulación con la experiencia y las necesidades didácticas y pedagógicas propias del programa; por lo que se encuentran otros formatos de divulgación y circulación de las creaciones y procesos de los estudiantes resultado de su trabajo en las asignaturas, semilleros y laboratorios; así mismo este espacio es acorde y pertinente con el modelo de UNIMINUTO que se caracteriza por su carácter social y su devolución creativa a las comunidades.

Como conclusión la Licenciatura en Educación Artística a distancia de la UNIMINUTO, a lo largo de sus 6 años de operación ha planteado diferentes ejercicios didácticos y artísticos que fortalezcan la formación de futuros Docentes en artes en el contexto virtual y a distancia, permitiendo así llegar a más estudiantes y comunidades que requieren adquirir o reforzar conocimientos a nivel, pedagógico, didáctico y artístico.

Laboratorio de investigación creación: La autopublicación como práctica artística contemporánea enmarcada bajo el estudio de la movilidad humana

Natalia Calao
Semillero de investigación en Artes Visuales -SINAV
Universidad Nacional Abierta y a Distancia UNAD